Como a música pode transformar pessoas e comunidades? Como pode abrigar corações que, antes desolados, agora constroem poesia e harmonia?
"Landfill (Aterro) Harmonic" é um documentário sobre uma orquestra do Paraguai, onde os jovens músicos tocam instrumentros criados a partir de lixo.
Cateura, no Paraguai, é uma pequena cidade quase construída dentro do aterro com um alto nível de pobreza e delinquência juvenil.
O diretor da orquestra, Szaran e o professor de música Fabio, planejaram um programa de educação musical para os meninos de Cateura, chegando a ter mais alunos do que instrumentos musicais.
Mas tudo mudou quando apareceu o primeiro violino feito de materiais reciclados. Atualmente, todos os músicos tocam instrumentos de reciclagem e se chamam "A orquestra reciclados".
Este documentário mostra como o lixo pode ser transformado em um objeto útil, mesmo capaz de produzir música e mudar a vida dos habitantes deste lugar.
01 - Louis Armstrong - Coal Cart Blues [02:57] 02 - Louis Armstrong With Gordon Jenkin's Orch [02:54] 03 - Louis Armstrong & The Allstars - New Orle [06:45] 04 - Louis Armstrong With Louis Jordan & His T [03:07] 05 - Louis Armstrong - When It's Sleepy Time D [03:16] 06 - Louis Armstrong - Introduction + Basin St [06:19] 07 - Louis Armstrong & Ella Fitzgerald - Moonl [03:44] 08 - Louis Armstrong - Introduction + Dear Old [04:21] 09 - Louis Armstrong - And the Angels Sing [02:55] 10 - Louis Armstrong & Ella Fitzgerald - I Won [04:47] 11 - Louis Armstrong & Ella Fitzgerald - Bess, [05:31] 12 - Louis Armstrong & Oscar Peterson - Blues [05:16] 13 - Louis Armstrong & Oscar Peterson - What's [02:43] 14 - Louis Armstrong - Shadrack [02:47] 15 - Duke Ellington & Louis Armstrong - Solitu [04:55] 16 - Duke Ellington & Louis Armstrong - It Don [03:58] 17 - Louis Armstrong - A Kiss to Build A Dream [04:35]
01 - Louis Armstrong - Coal Cart Blues [02:57] 02 - Louis Armstrong With Gordon Jenkin's Orch [02:54] 03 - Louis Armstrong & The Allstars - New Orle [06:45] 04 - Louis Armstrong With Louis Jordan & His T [03:07] 05 - Louis Armstrong - When It's Sleepy Time D [03:16] 06 - Louis Armstrong - Introduction + Basin St [06:19] 07 - Louis Armstrong & Ella Fitzgerald - Moonl [03:44] 08 - Louis Armstrong - Introduction + Dear Old [04:21] 09 - Louis Armstrong - And the Angels Sing [02:55] 10 - Louis Armstrong & Ella Fitzgerald - I Won [04:47] 11 - Louis Armstrong & Ella Fitzgerald - Bess, [05:31] 12 - Louis Armstrong & Oscar Peterson - Blues [05:16] 13 - Louis Armstrong & Oscar Peterson - What's [02:43] 14 - Louis Armstrong - Shadrack [02:47] 15 - Duke Ellington & Louis Armstrong - Solitu [04:55] 16 - Duke Ellington & Louis Armstrong - It Don [03:58] 17 - Louis Armstrong - A Kiss to Build A Dream [04:35]
O Auditório Araújo Vianna tem uma história longa e acidentada. O
primeiro Araújo foi uma concha acústica localizada na esquina ao lado da
Praça da Matriz com a rua Duque de Caxias, local onde hoje está a
Assembleia Legislativa. Tinha capacidade para 1.200 pessoas. Tratava-se
de uma bela construção de estilo neoclássico que contava com bancos
rodeados por caramanchões.
A ideia de sua construção surgiu em 1920 e materializou-se num
projeto de inspiração alemã elaborado por José Wiedersphan e Arnaldo
Boni. Seu nome é uma homenagem ao compositor gaúcho Araújo Vianna
(1871-1916). O projeto foi considerado revolucionário na época, pois
nunca tinha sido construída uma estrutura de tal porte em concreto
armado. A construção teve início em 1925 e a inauguração ocorreu no dia
19 de novembro de 1927. O antigo Araújo Vianna teve enorme participação
na vida cultural de Porto Alegre. Localizava-se bem no centro da cidade e
dava oportunidade a que pessoas de todas as classes assistissem a
apresentações musicais. Jamais um espetáculo levado no velho Araújo teve
cobrança de ingresso.
A
fotografia acima, de 1928, mostra o velho auditório alguns meses após
sua inauguração. As pérgolas ainda estavam sem a vegetação. Foto
reproduzida do blog Porto Alegre, uma História Fotográfica. (Clique para
ampliar).
Grande público costumava ir à Praça da Matriz para assistir a famosas
“retretas” que ocorriam nas quartas e domingos. Nos dias de inverno, os
espetáculos se davam no meio da tarde e no verão, ao anoitecer. As
apresentações incluíam não apenas a Banda Municipal como também corais,
grupos folclóricos e teatrais. O palco servia para ensaio de óperas que
se apresentariam no Theatro São Pedro e que eram assistidas pelo
público. Em meados da década de 50, cresceu a necessidade de um novo
prédio para abrigar a Assembleia Legislativa. Ela deveria ficar próxima
às sedes do Executivo, Legislativo e Judiciário. E lá se foi um pedaço
peculiaríssimo de nossa cidade. O próprio poder público tratou de
eliminar aquele que seria um belo recanto do Centro Histórico da cidade.
A antiga estrutura foi demolida e a nova sede foi projetada pelos
arquitetos Moacir Moojen Marques e Carlos Maximiliano Fayet. Em 1959, o
Município e o Estado negociaram que o último construiria um novo
auditório em troca da cessão, pelo município, da área ao lado da Praça
da Matriz. Já no mês de outubro de 1960 foram retirados todos os bancos
do velho Araújo Vianna e em sequência, iniciou-se a demolição da concha
acústica.
A nova sede teria a capacidade quatro vezes maior do que a original e
foi inaugurada em 12 de março de 1964 com capacidade para 4500 pessoas.
Dias depois, já com o golpe de 64 em curso, o arquiteto Carlos
Maximiliano Fayet teria sido questionado por uma comissão militar que
alegava um suposto envolvimento do arquiteto com os comunistas. A razão
teria sido o fato de que o Araújo Vianna, quando visto do alto, teria a
forma de uma foice e um martelo. A partir dos anos 70, ele passou a
abrigar grandes shows da MPB, mas nos anos 80 passou a ter sua
utilização diminuída devido a falta de reformas.
Maquete de apresentação do novo Araújo Vianna: não localizamos a foice e o martelo. (Clique para ampliar).
A chuva e o frio do inverno gaúcho começaram a preocupar os
utilizadores do auditório. Muitos shows eram transferidos ou cancelados
por causa do mau tempo. Surgiu a ideia de uma cobertura, a qual foi
debatida durante 30 anos. Em meados dos anos 90, nas reuniões do
Orçamento Participativo no bairro Bom Fim, foi decidida a construção da
cobertura. Para estudar o projeto, foram contratados os arquitetos
responsáveis pela construção do auditório em 1964.
Na verdade, o Araújo aberto era um espaço adequado às necessidades da
época de sua construção. O auditório foi feito para ser aberto, com
concha acústica e sem cobertura, em substituição ao antigo da praça da
Matriz. E, afinal, qual é a idéia de uma concha acústica? Obviamente
shows acústicos. Era um projeto perfeito para apresentações de
orquestras, bandas, óperas, de pequenos conjuntos de choro e samba – ou
shows com pouca amplificação. Era um belo projeto, mas inadequado às
“necessidades” de som muito amplificado e grave, exigidos por nossa
cultura atual.
Quando da ocorrência dos primeiros shows com som amplificadíssimo,
estes passaram a perturbar o sossego dos moradores do Bonfim, o que
acabou por inviabilizar a utilização do auditório em horários noturnos.
Fez-se a a nova cobertura, que foi inaugurada em 4 de outubro de 1996,
com um histórico show de João Gilberto. A capacidade passou a ser de
três mil pessoas sentadas. A técnica utilizada na cobertura foi a
utilização de lona tensionada, o que já fazia prever uma futura reforma,
devido a sua durabilidade limitada.
A polêmica cobertura, em 2006, durante a interdição | Foto: Google Maps
Mas o pior é que, em razão do esticamento da lona e de seu formato de
meia parábola invertida, ela tornou-se acusticamente inviável.
Internamente, a cobertura refletia o som em todas as direções. Além
disso, o auditório continuava inevitavelmente redondo e, portanto,
devolvia o som da traseira da plateia para o palco. O palco, em concha,
projetava o som para a platéia, mas ele retornava de forma caótica.
Quando chovia, o ruído interno era insuportável.
Em 1997, o Parque Farroupilha foi tombado como Patrimônio Histórico e
Cultural do Município. Como parte integrante do Parque, o auditório
passou a ter sua preservação garantida. A lona que cobria o Araújo
Vianna, segundo laudo técnico da SMOV, perdeu sua validade em julho de
2002. O risco era de que, em caso de chuva mais persistente, a pressão
sobre a lona rompesse os cabos, que teriam um efeito de chicote sobre o
público. No início de 2005, o auditório foi interditado pela Prefeitura
de Porto Alegre. A lona passou a servir apenas aos pombos do parque.
Da nova cobertura do velho Araújo dependerá o isolamento e a acústica | Foto: Opus Promoções / Divulgação
Hoje foi construída uma nova cobertura com um sanduíche de materiais
que provê o isolamento acústico para os shows de volume sonoro mais
alto. Também foram tratadas as reflexões da cobertura curva e o retorno
de som para o palco. Dentre os requisitos para a reforma do auditório,
estavam a reforma interna — incluindo palco e cadeiras, assim como
banheiros, camarins e áreas de apoio — e externa, com cobertura
acusticamente tratada para evitar transtornos aos moradores, além de
melhorias no entorno do auditório. A nova cobertura acústica é fixa,
feita em madeira, poliuretano expandido e resina impermeável. O local
tem capacidade para 3 mil pessoas (cerca de 4300 quando for misto,
composto por cadeiras e pista), 2 bares, novos camarins, novos banheiros
e acessibilidade para cadeirantes numa área de 5000 m².
O palco do novo Araújo dias antes da reabertura | Foto: Opus Promoções / Divulgação
O diretor da Opus Promoções, Carlos Konrath, citou que esta é a
primeira parceria público-privada do setor cultural da cidade. A Opus
dividirá o espaço com a Prefeitura, ficando com 75% do calendário anual
do Araújo pelo período de dez anos. Haverá também um conselho gestor com
participação paritária dos dois parceiros. Como atrações trazidas pela
Prefeitura, já estão confirmados o show de inauguração, com os artistas
citados abaixo, e mais Tom Zé no dia 3 de outubro. A programação da Opus
abre no dia 22 de setembro com Maria Rita cantando Elis Regina, e segue
com nomes como Paulinho da Viola, Roupa Nova e outros.
O concerto de inauguração desta quinta-feira, 20 de setembro, às 18h,
envolverá nomes marcantes da cena musical gaúcha, muitos deles com
biografia ligada ao auditório. São eles: Carlinhos Carneiro, Edu K,
Wander Wildner, Hermes Aquino, Gelson Oliveira, Nico Nicolaiewsky, Nei
Van Soria, Gloria Oliveira, Raul Elwanger, Charles Máster, Nelson Coelho
de Castro, Zé Caradípia e Elisa, Júlio Reny, King Jim, Tonho Crocco,
Cláudio Heinz e Júlia Barth (Replicantes), Elaine Geissler, Tiago
Ferraz, Hique Gómez, Antônio Villeroy e Bebeto Alves.
O parque Farroupilha (Redenção) e o novo Araújo com seu aspecto de disco voador | Foto: Bernardo Ribeiro / Sul21
O hip hop é conhecido como uma cultura da periferia das grandes cidades. Mas um grupo de jovens assentados decidiu que o rap também era música para o povo do campo se expressar e contar sua realidade. Carlos César, o Cesinha, já tem mais de 20 anos de estrada no rap. Mas foi no assentamento 17 de abril, do Movimento dos Trabalhadores Rurais Sem Terra (MST), próximo à cidade de Franca, em São Paulo, que ele conheceu Paulo Eduardo Pinheiro, o Mano Fi, e montaram um grupo. Depois entrou John Miller Souza, o John Doido, que entrou fazendo as bases no violão e passou a escrever e cantar também. Os três compõem o Veneno H2, que junta no nome os dois H´s do hip hop e a essência da cultura, misturado com o veneno do dia a dia, gíria para designar as dificuldades e ansiedades. “E também porque para o sistema somos puro veneno”, coloca Cesinha.
Eles entendem o rap como ferramenta de contestação social, e conseguem com seu trabalho dialogar com os jovens dos assentamentos, mas também com os mais velhos, de início resistentes ao estilo. Colocam ainda que a aproximação com a periferia urbana é possível e viável por meio do hip hop e se apresentam em bailes, eventos do MST e onde mais houver espaço para sua música militante. O Veneno H2 não tem equipamentos próprios, não tem sites ou redes de divulgação, e seus integrantes precisam garantir na enxada seu sustento material. Cantam a realidade como se apresenta a eles, sem deixar de lutar para transformar o dia a dia e construir outro vilarejo para a humanidade.
O Veneno H2 se apresentou no pocket show do Duelo de MCs, em Belo Horizonte, e conversou com o Brasil de Fato sobre a história do grupo, as dificuldades e sua forma de trabalho.
Brasil de Fato – Como começou o grupo?
John – Começou em 2004. Em 2005 o pessoal já estava fazendo as letras. Entrei depois, porque os meninos tinham letra, mas não tinham as bases, e aí eu fazia as bases no violão. A gente foi assim um tempo, com poucas letras e tudo. Em 2006, o Cesinha ganhou um CD de bases, daquelas bem antigonas, e começamos a trabalhar em cima e desenvolver mais letras. Como não tinha mais necessidade do violão, comecei a escrever também. Começamos a ter pegada de grupo em 2006. A gente tinha um caderno com 18 letras, aí a gente ia ensaiando pra decorar. De repente o caderno sumiu. Misteriosamente. Tinha muita gente que não apoiava, que achava que rap e sem-terra não tinha nada a ver, que queria manter aquela linha da cultura camponesa, sem abrir pra mais coisa. Desanimamos pra caramba, mas depois pensamos: se fizemos uma vez, dá pra fazer de novo.
Cesinha – É dessa época a música Militante da terra. Houve uma resistência, mas com o tempo ficou clara a necessidade de ter uma proposta mais política nas letras. Foi no assentamento 17 de abril que o grupo se formou. Tocamos o primeiro rap do Veneno H2 num encontro da juventude que o Instituto de Terras do estado de São Paulo (Itesp) fez na região, e fizemos o rap sem base, com o pessoal batendo na palma na mão. Quando o Jonh entrou, fizemos uma apresentação no aniversário do assentamento. Começamos a escrever junto a partir daí. Quando teve o lançamento do programa do Programa de Aquisição de Alimentos (PAA) da Companhia Nacional do Abastecimento (Conab), o pessoal chamou a gente, mas não era pra gente cantar rap, era pra cantar uma música do MST. Nem testamos o som, começamos a cantar, não tinha microfone. Aí teve gente que até chorou com a música, que foi Militante da terra, com uma parte de uma música do movimento. O pessoal gostou demais e começou a perguntar se a gente tinha CD, como é que era. Falamos que a gente tinha dificuldade pra trabalhar e vontade de vencer o desafio. O pessoal então passou o chapéu, pra nos ajudar a gravar pelo menos uma faixa. Então em 2008, gravamos nossa primeira faixa, a Militantes da Terra, com a segunda versão.
John – A gente tenta discutir até chegar num acordo pra todo mundo. Depois disso, o pessoal viu que a proposta era interessante para a juventude, porque os jovens achavam bem interessante, viam que a gente era da mesma luta e estava ali tocando rap. Aí foi aparecendo mais espaços nos movimentos sociais e de grupos de extensão de faculdade. Depois de um tempo, a gente foi vendo a necessidade de buscar formação para desenvolver melhor os temas políticos, fazer um diálogo melhor. No começo, falo por mim mesmo, eu ia para os espaços pra cantar, não queria saber de plenária, de estudo, de nada. Era cantar, dar meu rolê, dar uma namorada... e isso não dava credibilidade. Não precisou ninguém chegar e dar um toque, a gente foi buscar formação.
Qual a ligação do hip hop com a luta?
Cesinha – O hip hop é mais uma ferramenta. Ele surgiu como um movimento social também, foi muito discriminado. Mas agora ele foi apropriado, ou melhor, expropriado pelo capital. Como todas as outras mercadorias, o hip hop está virando uma mercadoria também. Talvez não tão vulgar quanto outros ritmos que o sistema apropriou, mas se continuar pode ir pro mesmo caminho. Como uma ferramenta de luta – e o hip hop é muito flexível – a gente pode usar isso a nosso favor também. Não temos espaço na mídia, mas temos a mídia alternativa, temos contato direto com quem nos ouve. A gente vê o hip hop como uma forma de luta, porque vemos uma possibilidade de construir as letras de acordo com nossa cultura, com o que a gente viveu e podemos misturar tudo que a gente gosta, do funk a Bethoveen, rock, reggae, samba, até o sertanejo. Estamos pensando em colocar toques de viola no próximo CD, resgatando a cultura popular. O hip hop tem essa flexibilidade e essa simbiose, ele se junta com a cultura local.
John – O interessante é que a gente é do campo, somos assentados, filhos de assentados, nos conhecemos no assentamento, nossa raiz é totalmente o MST, porque foi a partir disso que tivemos formação. Mas se você for chegar pra juventude hoje, principalmente da cidade, e falar sobre organização de classe, sobre a questão da luta, é muito difícil, porque estão totalmente alienados pela mídia, têm um conceito muito negativo da política. Qual a ideia do hip hop? Colocamos vários elementos políticos nas nossas letras, para eles notarem que aquela política é o que eles estão vivendo, não tem um distanciamento, para eles buscarem fazer alguma coisa pra mudar aquela realidade. Porque ninguém vai mudar se não for a gente, porque o capital sempre vai explorar. É difícil esse diálogo com a juventude, até nas nossas próprias áreas, porque a gente sabe que muitas vezes o pessoal completa certa idade e quer ir embora, porque no assentamento não tem lazer, é só trabalho braçal... e no trabalho que a gente faz buscamos também espaços de lazer e de cultura.
E as pessoas mais velhas?
Cesinha – Uma coisa interessante também no decorrer da nossa história é que para conseguir o apoio da comunidade, trabalhamos primeiro com a juventude, mas depois fomos apresentando o hip hop para as pessoas mais adultas, para os idosos, que às vezes tinham resistência. Eles perceberam que o rap não era só o que eles conheciam por rap, que falava de droga, de arma. Viram que era nossa realidade retratada de forma bem sintetizada.
Qual a reação das pessoas da cidade quando conhecem o trabalho de vocês?
John – O pessoal do rap de Franca, a cidade mais próxima do assentamento, quando conheceu a gente ficou meio receoso, quando a gente falou que morava no assentamento tiraram um sarro da gente: “ah, vocês fazem rap da roça”. Mas depois ouviram nossas músicas e viram que a gente conta o cotidiano com conceitos políticos mesmo.
Cesinha – A primeira apresentação nossa em um baile de rap em Franca, a gente estava tão ansioso que ficamos meio travados, e falamos pra geral: “seguinte: esse é o rap do sem-terra e como somos novos, vamos deixar a música falar pela gente”. E a galera gostou muito, a partir de então conseguimos ter um diálogo melhor com a periferia. Estamos voltando para os bailes, para a periferia também. Quando a gente compara os problemas, vê que são basicamente os mesmos.
Por que o nome Veneno H2?
Cesinha – De começo eu queria montar uma banda soul, e pensei na palavra ‘veneno’ porque é uma gíria, que significa passar dificuldades, estar nervoso, ou estar eufórico com alguma coisa. “Estou no veneno pra sair e tomar uma com os amigos”, ou “Estou no veneno porque não tem comida em casa”, ou “passei um veneno porque fui despedido”. Vimos então que o veneno estava constante na nossa vida. O H2 é pelos dois ‘H’ do hip hop. E também porque para o sistema a gente é o puro veneno. Até a revista Veja esculachou uma música nossa, com um vídeo de uma apresentação no acampamento do Levante Popular da Juventude.
John – Com toda nossa simplicidade e dificuldade, não temos aparelhagem, equipamento, nada – só temos um pen drive com as bases e agora um computador que ganhei – conseguimos cutucar lá em cima com nossa mensagem.
Quais os próximos passos do grupo?
Jonh – Estamos divulgando os CD e também já construindo o próximo, temos algumas letras escritas já. Fiz um curso de desenvolvimento cultural pelo MST e aprendi técnicas de vídeo e edição, então estamos com a ideia de fazer um trabalho nosso nisso também. Não só um trabalho de música, mas fazer também oficinas de desenvolvimento cultural com o pessoal. A gente sabe a dificuldade que tem um grupo de rap de movimento social. Talvez a gente seja o único grupo de rap orgânico da base do MST, e somos convidados para ir em vários lugares do país, e fazemos isso, a oficina e depois cantamos o rap. Temos parceria com o Levante da Juventude, para levar a organização para a periferia também. E buscar cada vez mais conhecimento, porque a gente absorve e repassa nas letras. A gente quer ver também como trabalhar a questão da mística nas apresentações, até para mostrar o outro lado do MST, o lado verdadeiro da coisa.
Cesinha – É, a produção no setor da cultura. Estamos também discutindo de ver alguém – do movimento ou não – para a gente produzir. Fazer um clipe e chegar em mais pessoas, mais periferia, mais campo, para levar nossa visão de que a cultura, a música, não é só pra distrair, mas formar a consciência geral: de jovem, adulto, velho, criança. E trabalhar no lote, né?
John – É, porque a principal fonte de renda nossa é o trabalho braçal.
Brasília – O compositor e mulit-instrumentista Hermeto Pascoal, que
acaba de lançar o DVD Hermeto Brincando de Corpo e Alma feito apenas com
sons obtidos a partir do corpo, tem muito a ensinar. Apesar de ser o
professor dos sonhos para muitos estudantes, o músico tem encontrado
muitas dificuldades para emplacar um de seus maiores projetos: o Templo
do Som, uma escola de música que, além de repassar sua vasta experiência
de vida, tem a ambição de ensinar músicos e pretensos músicos a fugir
dos padrões cada vez mais comuns à música contemporânea.
“Infelizmente não tive apoio financeiro de ninguém. Se eu quisesse
montar outra coisa para fazer sensacionalismo e que desse mais dinheiro…
mas [na música] o que dá dinheiro é sempre burrice. O câncer da alma
chama-se dinheiro”, lamenta o multi-instrumentista que ainda não
conseguiu patrocínio para fazer o projeto ir adiante. “Hoje estão dando
cursos de música eletrônica até nas universidades. É triste, porque esse
é o tipo de coisa dirigida a quem, na verdade, não é músico. Usar
computador é programar a alma. E quem é músico [de verdade] não quer
saber disso”.
Para Hermeto, as escolas de música tendem a fazer com que músicos
repitam formas musicais já existentes, sem agregar aquilo que considera a
matéria-prima da boa música: o sentimento. “O que não se pode é colocar
o saber na frente do sentir”, disse ele à Agência Brasil. “Na teoria
[musical] é a mesma coisa. Colocar teoria é colocar o saber na frente do
sentimento. Aprender teoria não é aprender música. Você tem de ter a
música na cabeça inclusive para poder escrevê-la, até porque, depois de
terminar uma música, eu tendo a esquecê-la totalmente”.
Hermeto diz o que falta para tocar o projeto Templo do Som. “Preciso
apenas de um lugar que dê para fazer minha escola, para educar o
pessoal por meio da música, passando minha experiência de vida e todas
as coisas que sinto, sem padronizações e sem cobrar caro dos alunos”,
diz. “Patrocinador que não tem inteligência musical não vai me
patrocinar. E eu também não vou procurá-lo. Quero alguém que, de fato,
ame a música”.
Representar
avatares de personagens históricos, ainda mais aqueles de vida e obra
carregadas de explosão e tortuosidade, na tela do cinema sempre trará
incontornáveis riscos. Aplausos, vaias. Ainda mais quando o campo social
contemporâneo está completamente dominado pela cultura da imagem e do
visual. Por exemplo, em Bird (1987), de Clint Eastwood, que procura dar
luz e imagem ao percurso rebelde do músico Charlie Parker, a
preocupação parece ter se centrado mais na reconstituição e recuperação
estética dos lugares e objetos da época, expressando, no fim das contas,
uma repetição do que é meramente representado, contemplação resignada,
ou melhor – para ficarmos na expressão do crítico marxista Fredric
Jameson –, um “pastiche nostálgico”, típico de uma época sedenta pelo
espetáculo da estética.
Mas talvez seja exatamente o conteúdo do
perigo dessa empreitada, da possibilidade da experiência vivida do
contrassenso, que instigue ainda alguns (poucos) autores à sua
realização. Porque apresentar e trazer à tona qualquer trajetória
herética de um aventureiro(a), no sentido amplo e positivo da palavra, é
também rememorar e sacudir o pensamento e a sociedade de determinada
época. Assim, abrem-se fendas, bifurcações que buscam (re)colocar
utopias e projetos da memória social coletiva e atualizá-la,
transformando cinzas em fogo. Trata-se de uma preocupação, a um só
tempo, que envolve a dimensão estética e política, forma e conteúdo.
“Violeta
se fue a los cielos”, de Andre Wood (diretor do filme Machuca), em
cartaz no Brasil, vem estimular esse terreno debruçando-se sobre a
trajetória de Violeta Parra, uma querida personagem ainda pouco
difundida no Brasil. Mulher. Chilena. Latino-americana. Mãe. Poetisa.
Comunista. Índia. Pobre. Rebelde. Violeta nasce em 1917, no mês da
revolução de Outubro. As marcas que leva no rosto a vida inteira são
frutos deixados pela varíola contagiada durante a infância, que nutre
para sempre insegurança com sua beleza. Vestia-se com a mesma
simplicidade de uma camponesa, conservando os cabelos compridos e quase
despenteados, em qualquer lugar que estivesse. Fez arte do bordado, da
pintura, da cerâmica e, sobretudo, cantou: “a criação é um pássaro sem
plano de voo que nunca vai chegar em linha reta”. Nas décadas de 1950 e
1960, sua criação barroca ecoou, continentalmente e universalmente, em
meio a gerações vencidas que entoaram seu grito em diversas contestações
nos países em que triunfava o partido dos vencedores provisórios, tanto
em regimes de terror burocrático quanto em regimes de acumulação
capitalista fordista.
Andarilha, como Che Guevara, Violeta viajou
para muitas regiões, sempre junto de seus filhos, buscando e coletando a
riqueza da música folclórica chilena e latino-americana, parte de
extrema sensibilidade do filme de Wood. Certamente, foi pioneira em sua
busca por uma música de raiz genuinamente popular, semelhante a muitos
sambistas no Brasil. Considerava pertencer à linha musical da tradição
camponesa, cantava sem artifícios, rusticamente, e quando sua doce voz
se entrecruzava com os dedilhados no violão, como as mãos que se juntam
de casais na primeira vez, parecia brotar da terra como um vulcão.
Seguindo a estirpe dos românticos, amou loucamente e, por isso mesmo,
jamais seus relacionamentos tiveram um curso sereno. Seu suicídio não
foi exclusivamente amoroso, mas também por ter visto a dificuldade da
universalização de uma cultura milenar relegada (“o mundo é maior do que
eu imaginava”, diz à sua filha) ao passado em nome da técnica e do
progresso que jamais evitaram os grandes desastres na periferia do
capitalismo.
É preciso dizer, por fim, que o filme também contém
suas fragilidades. As tensões entre vida privada e contexto político e
social que vivia o país chileno, sem contar as mutações do mundo da
Guerra Fria, são excessivamente suavizadas. Como se fossem secundários
os cruzamentos dos ritmos sociais e culturais regionais e mundiais que
eivavam à época, e como se isso não tivesse significado na formação da
visão de mundo da folclorista chilena. É imperativo, no entanto, juntar
os pedaços – ou os cacos, como preferem alguns – que fizeram sua
materialização. É difícil também entender como o filme conseguiu
simplesmente ignorar personagens que tiveram uma aproximação – inclusive
pessoal – tão íntima com Parra como, por exemplo, o músico e diretor de
teatro Victor Jara, assassinado pela contrarrevolução chilena, e o
poeta Pablo Neruda.
Nesses casos, contudo, as músicas e os poemas
sempre parecem salvar qualquer dificuldade que o filme supostamente
apresenta. Talvez seja aquele paradoxal caso, mas não tão raro, de
desencontro entre ritmo da protagonista e do filme – evidentemente, com a
primazia do primeiro em relação ao segundo. Amamos Violeta, mas
titubeamos se temos o mesmo sentimento apaixonado sobre o filme.
Em
todo caso, o expectador brasileiro terá a oportunidade de conhecer essa
artista tão autêntica e multifacetada, tão perigosa quanto uma
guerrilheira. Para mais do que nunca, costurar, cantar e lutar pela
radical diversidade na radical unidade latino-americana dos subalternos,
nos milhares de “notas de pé de página”, como poderia dizer o escritor
argentino Rodolfo Walsh, de ontem e hoje, dos sem-teto, dos sem-terra,
dos camponeses, dos indígenas, dos operários, enfim, do conjunto
heterogêneo da classe trabalhadora. Gracias Violeta.
Se
alguém reclamasse que temos postado pouca música antiga, eu teria que
aceitar a crítica. Então, pago parcialmente a dívida com um disco muito
especial. Dizem que se trata de uma das melhores recriações da música
antiga. Ou da pré-antiga… Porque estamos falando em até 1000 anos antes
de Cristo. A avaliação dos musicólogos sobre este trabalho é a mais
favorável possível.
Ah, talvez seja importante dizer que ouvi o CD e gostei muito.
Music of the Ancient Sumerians, Egyptians & Greeks
Music from c. 1950 B.C. to 300 A.D.
A.D. é Anno Domini ou depois de Cristo
(Including the world’s oldest notated music)
performed on voice, lyres, kithara, pandoura, double reed pipes,
flutes & other ancient instruments.
1. Musical Excerpts….Anon. (2nd c. AD)
2. Lament…Anon. (2nd or 3rd c. AD)
3. Fragment 1…Anon. (2nd c. AD)
4. Paean…Anon. (3rd or 4th c. AD)
5. Trochaic fragment….Anon. (3rd c. AD)
6. Four settings of a line from “Epitrepontes” by Menander…Anon.(3rd c.AD)
7. Excerpts mentioning Eros and Aphrodite…Anon. (2nd or 3rd c. AD)
8. Musical excerpt…Anon. (3rd c. AD)
9. Hypolydian excerpt…Anon. (2nd or 3rd c. AD)
10. Fragment 3…Anon. (3rd c. AD)
11. A zaluzi to the gods…Anon. (c. 1225 BC)
12. Hurrian Hymns 19 and 23…Anon. (c.1225 BC)
13. Hurrian Hymns 13 and 12…Urhiya/Anon. (c. 1225 BC)
14. Hurrian Hymn 2…Anon. (c. 1225 BC)
15. Hurrian Hymn 8…Urhiya (c. 1225 BC)
16. Hurrian Hymn 5…Puhiya(na) (c. 1225 BC)
17. Hurrian Hymns 4, 21 and 22… Anon. (c. 1225 BC)
18. Hurrian Hymns 7 and 10…Anon. (c. 1225 BC)
19. Hurrian Hymns 16 and 30…Anon. (c.1225 BC)
20. Musical Instructions for “Lipit-Ishtar, King of Justice” (c. 1950 BC)
21. Trumpet call…Anon./Plutarch
22. Isis sistrum rhythm…Anon./Apuleius
23. Theban banquet scene…Anon. (14th c. BC)
24./25. Harp pieces (A) (B)…Anon. (7th or 6th c. BC)
Gayle Stuwe Neumann (strings, voice, percussion)
Philip Neuman (winds, strings, percussion, voice)
Ensemble De Organographia
Cartola
não existiu, foi um sonho que a gente teve. Assim Nelson Sargento
definiu o amigo e parceiro Angenor de Oliveira, o mestre Cartola
(1908-1980). Mestre pedreiro, mestre lírico: sambista refinado e
elegante, de uma poesia que começava pela escolha dos títulos: As Rosas
não Falam, Inverno do Meu Tempo e O Mundo é um Moinho. Como um trovador
moderno, cantou o amor, a mulher e o morro, com sensibilidade e
delicadeza.
[...] Ouvir Cartola é um exercício de sabedoria sutil. A cada audição
treinamos nossa sensibilidade e nossa acuidade para o que é essencial, e
aprendemos a perceber o espanto que há nas coisas simples, a ouvir o
que as rosas têm a dizer. Nelson Sargento estava coberto de razão.
Cartola, o pedreiro que virou poeta, não existiu. Foi um sonho bom. Que a
gente não esquece.
CONTINUE A LEITURA:Por João Jonas Veiga Sobral em [O POETA IMPROVÁVEL] Revista Língua Portuguesa
Summertime, time, time, Child, the living's easy. Fish are jumping out And the cotton, Lord, Cotton's high, Lord, so high.
Your daddy's rich And your ma is so good-looking, baby. She's looking good now, Hush, baby, baby, baby, baby, baby, No, no, no, no, don't you cry. Don't you cry!
One of these mornings You're gonna rise, rise up singing, You're gonna spread your wings, Child, and take, take to the sky, Lord, the sky.
Until that morning Honey, n-n-nothing's going to harm you now, No, no, no, no, no, no, no, no, no, no, no, no, no, no, no, no, No, no, no, no, no, no, no, no, no, no, no, no, no, no, no, no, No, no, no, no, no, no, no, no, no, Don't you cry, Don't you cry, Cry.
1.-"The Revealing Science of God (Dance of the Dawn)" – 22:22
2.-"The Remembering (High the Memory)" – (Letras de Yes) 20:38
3.-"The Ancient (Giants Under the Sun)" – (Letras de Anderson/Howe/Squire) 18:35
4.-"Ritual (Nous Sommes du Soleil)" – 21:37
5.-"Dance of the Dawn" - 23:35
6.-"Giants under the Sun" - 17:17
Jon Anderson – voz
Chris Squire – baixo, voz Steve Howe – guitarras, voz Rick Wakeman – teclados
Alan White – bateria, percussão
1.- "Close to the Edge" (Jon Anderson/Steve Howe) - 18:41 a)"The Solid Time of Change" b)"Total Mass Retain" c)"I Get Up I Get Down" d)"Seasons of Man"
2.- "And You and I" (Jon Anderson; Bill Bruford/Steve Howe/Chris Squire) - 10:08 a)"Cord of Life" b) "Eclipse" (Jon Anderson/Bill Bruford/Steve Howe) c) "The Preacher the Teacher" d)"Apocalypse"
Representar
avatares de personagens históricos, ainda mais aqueles de vida e obra
carregadas de explosão e tortuosidade, na tela do cinema sempre trará
incontornáveis riscos. Aplausos, vaias. Ainda mais quando o campo social
contemporâneo está completamente dominado pela cultura da imagem e do
visual. Por exemplo, em Bird (1987), de Clint Eastwood, que procura dar
luz e imagem ao percurso rebelde do músico Charlie Parker, a
preocupação parece ter se centrado mais na reconstituição e recuperação
estética dos lugares e objetos da época, expressando, no fim das contas,
uma repetição do que é meramente representado, contemplação resignada,
ou melhor – para ficarmos na expressão do crítico marxista Fredric
Jameson –, um “pastiche nostálgico”, típico de uma época sedenta pelo
espetáculo da estética.
